La femme et l'oiseau

jusqu'au 31 août 2008

Musée d'Aubigny - Auvers-sur-Oise

sculpture	gravure (haut) - céramique (bas)

Au jardin de Corneille


« De mon jardin, à l’horizon, j’aperçois Auvers-sur-Oise où est enterré le maître Van Gogh. Quand j’arrive ici, le dépaysement est total, l’air est pur et j’entends les oiseaux chanter. J’ai l’impression que tous les oiseaux habitent ici, il y en a partout... »

 
Une quarantaine d’estampes, des toiles, gouaches, aquarelles, pastels sont accrochés. Des sculptures en bronze, en bois polychrome et des céramiques sont exposées dans des vitrines. S’y ajoutent des objets, des livres, des photographies et des textes illustrant d’autres aspects de la vie et de la création de Corneille. L’ensemble de l’exposition du Musée d'Aubigny comprend environ 70 pièces et couvre le parcours de l’artiste de 1943 à nos jours. 

 

Corneille a participé, de 1948 à 1951, à l’aventure de Cobra. C'est dans ce contexte qu'il s'est affranchi des dogmes, libéré des leçons trop bien apprises.  L'artiste possède une curiosité insassiable et désire maîtriser tous les médiums.  Asger Jorn, un autre membre fondateur du groupe, l'initie vers 1945  à la céramique . La gravure est un espace de recherche pour Corneille qui fréquente le célèbre atelier de Stanley Hayter à Montparnasse.  Mais si les expérimentations techniques participent au renouvellement des formes dans la peinture de Corneille, ses nombreux voyages entre 1957 et 1977 vers des pays exotiques ajoutent à ses créations, l'éclat des couleurs explosives, la diversification des sujets. Cependant , il  est un thème qui traverse toute son oeuvre :  "La femme et l'oiseau". Car le peintre-voyageur, le peintre-poète n'habite pas seulement le monde, mais en magicien,  un jardin auquel il donne des allures de paradis.


C.P.

Informations pratiques :

manoir des Colombières, rue sansonne
tel 01 30 36 80 20
musee-daubigny@orange.fr

du mercredi au vendredi de 14h à 18h
samedis, dimanches et jours fériés de 10h30 à 13h et de 14h à 18h

autres lieux :

L'atelier de Corneille
Cité des artistes
5, rue du Montcel
01 34 48 00 10
samedi, dimanche et jours fériés de 14h à 18h

Eglise Notre dame d'Auvers-sur-Oise
tapisserie Les oiseaux de paradis
le piano de Corneille

voir aussi : http://musee-daubigny.com/Corneille/daubigny.html
 

les diapos de mon père, une inquiétante familiarité, 1999-2003

du jeudi 3 au dimanche 20 Juillet 2008


la maison rouge (le vestibule) - Paris (12)



 

Philippe Jacquin-Ravot a peint une série de souvenirs d’enfance, à partir de sept diapositives extraites des archives familiales (24 x 36 mm), qu’il a entrepris de reproduire minutieusement à l’huile, sur des toiles aux formats allant de 72 x 48 cm jusque 141 x 94 cm et aux coins arrondis. Elles sont exposées du 3 au 20 juillet dans le vestibule de la maison rouge, l'espace réservé à la jeune création à la Fondation Antoine de Galbert..

Le miroir troublant des souvenirs partagés.

"PJR peint avec la plus grande minutie ses souvenirs d’enfance. Des images banales qui appartiennent à tous ou à personne. Une facture parfaite sans la moindre trace de sentiments de l’artiste. L’inquiétante familiarité.

Les portraits lisses rappellent irresistiblement l’essai de Freud sur “l’inquiétante étrangeté”. Le sentiment d’étrangeté nait à la fois de la familiarité et de l’incertitude. On ne sait pas si la scène représentée appartient à l’imaginaire de l’artiste ou s’il s’agit d’un souvenir personnel. Un sentiment de déjà-vu mais pas tout à fait comme ça. Une impression bizarre. La très lente application.

Contrevenant de façon singulière avec le rythme de l’époque, PJR consacre un temps énorme à la production de chaque tableau. Il lui a fallu trois ans pour achever son dernier opus. Chaque oeuvre est parfaitement exécutée. La virtuositée accomplie comme projet de vie.
Le temps est arrêté."

Philippe Jacquin Ravot est né à Tassin la Demi-Lune en 1967
Il vit et travaille à Lyon
dernières expositions :
2007 "Rendez-vous", Ecole Nationale des Beaux-arts de Lyon
" De l’usage des Images", Museum Départemental de Gap (catalogue chez Fage éditions)



Informations pratiques :

vernissage en présence de l'artiste :
jeudi 3 juillet de 18h à 21h
accès libre

la maison rouge
fondation antoine de galbert
10 bd de la bastille - 75012 Paris
info@lamaisonrouge.org
métro quai de la rapée ou bastille

 ouverte du mercredi au dimanche de 11h à 19h, le jeudi jusqu’à 21h


voir aussi : le site personnel de l'artiste http://www.aproposdepjr.com/index.html et www.lamaisonrouge.org

du 5 juillet au 24 août 2008


Centre d'art et de littérature - Hôtel Beury - L'Echelle (08)

Au péril de la peinture


Geneviève Besse nous propose « ses interversions » et nous mène à la rencontre de plusieurs «moments» constructifs et destructifs, dans un déploiement formel inattendu.

Pour comprendre le projet de Geneviève Besse, il faut se rappeler le long chemin parcouru avec les poètes et la soixantaine de livres d'artiste conçus et réalisés depuis vingt ans. Or, nous confie-t-elle, « Je crois que le livre d’artiste comprenant un texte d’un poète accompagné de mes peintures si il s’arrête là est abandonné dans son trajet. »

Au départ de cette nouvelle installation, pour l'Hôtel Beury à L'Echelle, un poème d'Yves Leclair « L'antique lumière d'Eden ». Le texte accompagné de cinq peintures de l'artiste, a donné lieu à un livre édité à 9 exemplaires par le centre d'art et de littérature. Puis comme elle a pris l'habitude de le faire depuis quelques années, l'artiste a développé ses « interversions ».

Geneviève Besse désire que l'on puisse embrasser toutes les pages d'un ouvrage d'un même regard, retrouver ainsi la vision d'un même texte divisé en différents "morceaux". Le livre, petit miracle d'ergonomie qui tient dans la main et qui assure au lecteur la possibilité de se retirer dans le silence et la solitude est « intervertit », métamorphosé en passant à une dimension monumentale. Sur papier libre, pur chiffon, grand format, le même texte dans une mise en page différente est recomposé avec d'autres couleurs. Le face à face, avec « l'oeuvre ouverte » accorde d'autres sens au poème. Les regards plus nombreux peuvent ensemble converger vers une installation qui vise une totalité.

Dans un premier temps donc, le poème s'extériorise et se développe au nom de l'intention plastique, dans un but de partage, l'artiste reconstituant sous la forme de six panneaux sur pied de 125 x 100 cm, les éléments "pages", la structure "livre ouvert" et les rythmes harmonieux de la lecture.


Puis, tout se passe comme si elle renonçait à son projet épuisé pour s'intérioriser dans les peintures gris cendre, dense et quasi tragique des dos des panneaux. Vous êtes à ce stade  invité à contourner les « pages ». Au verso, le poème se détériore, mots et lettres ne sont que particules dispersées, réorganisées en des associations brisées et discordantes qui aboutissent à l'anéantissement du texte.


Puis, survient la dernière étape des « interversions ». Sur un mur, cinq panneaux de 125 x 50cm, photocopies en couleurs du livre originel, du livre « source », montrent la destruction de l'ouvrage, révèlent le processus de détérioration.

Détruire le livre pour retenir les mots, détruire les mots pour ne conserver que la lettre. Les grands lecteurs le savent, il est salutaire de temps à autre, de brûler sa bibliothèque. La destruction doit cependant être méthodique pour accéder à la taille du rituel et être garante d'une renaissance créatrice.


Ainsi Geneviève Besse, avec ses « interversions » se livre avec entrain à la destruction des  textes. Ultime défense pour s'assurer que l'on est bien dans un rapport spontané et enthousiaste à la réalité ? Ultime paradoxe d'écriture ? Contradiction, peut-être ? A l'artiste tourangelle qui a beaucoup fréquenté l'abbaye de Thélème, tout est permis : le mélange et la combinaison des écritures puisque tous les mots que nous connaissons sont en même temps vrais et faux,   le poème différemment, le savoir et la connaissance autrement, le livre au péril de la peinture,  les libres « interversions ».

L'exposition est à voir du 5 juillet au 24 août 2008 Centre d'art et de littérature - Hôtel Beury à l'Echelle (08).

 
Catherine Plassart

Informations pratiques :

Centre d’Art et de Littérature
Hôtel Beury
08150 L’Echelle
Tél./Fax : 03 24 35 45 80
www.hotelbeury.com
hotelbeury@hotelbeury.com
hotelbeury@hotmail.fr

ouvert les mercredi, jeudi, vendredi, samedi, dimanche de 14h à 19h


Voir aussi : le site personnel de l'artiste http://www.genevievebesse.com/, ses installations ICI, un choix de livres d'artiste ICI

« Tellement j'ai faim »

 
du 5 juin au 20 juillet


Galerie Polad-Hardouin - Paris (3)

De l'ivresse en peinture.

par Frédéric-Charles Baitinger

Nos corps, à chaque instant, sont traversés de forces qui les poussent, les contorsionnent, les malmènent ou les transfigurent. Toutes ces forces ne sont pas des forces morbides, mais des forces qui, au contraire, obligent la vie à se dépasser, à s'affirmer envers et contre ces flux et reflux invisibles qui, comme la vague contre la rocher, viennent la heurter de plein fouet. Les toiles de Lydie Arickx dressent l'inventaire de ces forces, capturent l'effet intérieur quelles produisent pour mieux le sublimer : elles sont une assomption de la couleur, une élégie de la vie assumant ses pertes, une iconologie païenne de la chair meurtrie mais renaissante.

C'est indéniable, il y a, dans chacune de ces toiles, une force de vie, une foi impondérable dans la vie, même quand celle-ci semble soulevée d'horreur, car cette horreur, cette sensation atroce et insupportable qui traverse les chairs, Lydie Arickx ne la montre jamais comme un spectacle qui lui serait extérieur, mais comme un monde qu'elle habite et qu'elle transfigure de sa propre puissance – de sa propre ivresse.

« Tellement j'ai faim...» dit-elle, tellement j'ai foi en la vie... La puissance de sa peinture réside dans cette contradiction glorieuse où les corps s'affirment envers et contre les forces qui les nient, dans cette capacité à affronter toutes les souffrances de la vie sans jamais y succomber, mais en y apportant à chaque fois un surplus de force, un supplément d'âme. Contre le devenir supplicié des chairs, Lydie Arickx peint l'assomption de corps extasiés ouverts sur l'infini. 

Mais pour atteindre à un tel quantum de force, à une telle affirmation, Lydie Arickx a dû se battre contre elle-même, apprendre à dépasser ses peurs pour se regarder en face. Il y a quelques années encore, ses peintures représentaient des corps cherchant à s'isoler de la matière. Il s'agissait alors pour elle de peindre des lignes repliés, des corps encapsulés à l'intérieur de leur propre martyrs.

Mais aujourd'hui, à l'heure où sonne pour elle l'heure du grand midi, les corps qu'elle représente osent enfin se dissoudre dans la matière sans pour autant se perdre en elle. Ouvrant progressivement les lignes dures de leurs contours, ils s'imbibent de tous les accidents qui les déforment, aspirent à eux les moindres particules de matières encore inertes. Ce n'est désormais plus seulement le corps qui lutte pour sa survie, mais toute la nature souffrante qui sombre dans un délire d'empathie universelle.

Artiste
À la fois peintre et sculpteur, Lydie Arickx est née en 1954. Elle expose pour la première fois en 1982, après avoir suivi les cours de l’Ecole Supérieure des Arts Graphiques de Paris. Dès 1988, elle présente son travail en Belgique, en Suisse, en Allemagne, aux Pays -Bas puis en Espagne, aux Etats-Unis et au Japon. Particulièrement remarquée à l’occasion d’une exposition au Couvent des Cordeliers de Paris, Lydie Arickx participe aux grands événements internationaux comme la Foire de Bâle ou Art Paris. Elle figure dans les collections publiques dont celle du Musée National d’Art Moderne, Paris. Elle a aussi réalisé une série d’œuvres monumentales comme la sculpture La Genèse, fontaine de bronze de trois mètres sur deux pour le Château Lagnet en 2000. Elle est Chevalier de l’Ordre National des Arts et Lettres.

Le silence qui parle Les nouvelles chroniques de Frédéric-Charles Baitinger fredericcharlesb@hotmail.com

Du mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous

"L'Illusion du tranquille"


Géraldine Lay et François Deladerrière "L'Illusion du tranquille" Chapelle Saint-Jacques, centre d'art contemporain, Saint Gaudens, et image/imatge, Orthez

 Deux expositions : du 19 juin au 14 août 2008, image/imatge, L’Imprimerie, 15, rue Aristide-Briand, 64300 Orthez, tél. 05 59 69 41 12, et, du 31 octobre 2008 au 21 février 2009, Chapelle Saint-Jacques – centre d’art contemporain, avenue du Maréchal-Foch, 31800 Saint-Gaudens, tél. 05 62 00 15 93. François Deladerrière et Géraldine Lay sont représentés par la galerie Le Réverbère, 38, rue Burdeau, 69001 Lyon.

F. Deladerrière					G. Lay

Monstre va

par Jean-Paul Gavard-Perret

C'est à une rencontre avec une étrange narrativité photographique que nous convient les deux artistes réunis sous le titre de "L'illusion tranquille". L'intitulé est à l'image des tirages exposés : bourré d'humour. Les thématiques, les sujets ou objets saisis par G. Lay et F. Deladerrière sont mis en scène avec élégance, en divers jeux entre le subtil et le criard, l’arrogant et le secret. Là où derrière l'apparence, le grotesque dessine l’ envers du miroir de nos territoires de rêve, il  reste carcasse de voiture et  trophée de chasse dont les têtes mortes "imaginent" qu'elles peuvent brouter encore. Les deux artistes découpent une sorte de no man’s land. Dans une suite de lieux, par un effet de trop plein, des variations dessinent une sorte de friche du monde où les fantasmes ne fonctionnent plus. Surgit un double maillage qui circonscrit une zone d’abandon où le "bon" mauvais goût (en particulier chez Géraldine Lelay) offre une “ statuaire ” délétère et outrancière. Les deux artistes ne cherchent cependant aucune dramatisation, aucun effet misérabiliste. Ils se contentent de montrer une symphonie acide et cassée de couleurs qui viennent se moquer des figures qu’elles sont censées recouvrir. De ce bric-à-brac surgit paradoxalement un espace vacant donc ouvert et presque aussi onirique qu'ironique.



Tout se joue dans un kitsch où se mêlent la rigidité longiligne et les verticales des structures. Cela crée des paysages qui ne s’arc-boutent pas forcément sur le passé (que laissait présager l'adjectif du titre “ tranquille ”) mais prennent presque des aspects de paysages de science fiction en l'absence de présence humaine. La photographie crée des sortes de “ borderlands ” qui échappent à toute localisation précise et donnent une éternité à cette touche éphémère du passé soudain figé. Des restes  portent témoignage de l'activité de l’homme dans ces natures plus que mortes aux couleurs souvent abusives et drôles. De tels clichés ne sont ni mémoire, ni critique d’un certain mauvais goût. Les photographes proposent plus et mieux : ils nous contraignent à appréhender un vertige d'objets qui appellent l’imaginaire puisqu'ils sont devenus inutiles. personnifiés, ils nous regardent et semblent s’amuser de l’effet qu’ils produisent. Dès lors ils instaurent un élément scénographique essentiel ouvert sur un inconnu qui nous parle vraiment.