Richard Serra


du 07 mai au 15 juin  2008


Grand Palais - Paris (8) 

Suite au succès de la première édition de Monumenta (confiée en 2007 à Anselm Kiefer, et visitée par plus de 135 000 visiteurs en moins de cinq semaines), le sculpteur américain Richard Serra investit, du 7 mai au 15 juin 2008 le Grand Palais. 

En effet, chaque année, le ministère de la Culture invite un artiste contemporain de renommée internationale à occuper les 13 500 m² du site avec un ensemble d’œuvres spécialement conçues pour l’occasion.


Richard Serra  produit avec des matériaux industriels selon des techniques d’ingénierie particulièrement complexes, des sculptures monumentales en acier. L'artiste opère une réflexion plastique qui pousse à son paroxysme la force physique et matérielle de l'œuvre.  Ellipses, courbes, torsions, mais aussi verticales et lignes de fuite sont autant de formes que Richard Serra explore dans son travail. Dans la nef du Grand Palais, Richard Serra propose une installation inédite et spectaculaire titrée Promenade,  un défi à notre perception de l’équilibre et de la gravité.



Informations pratiques

Grand Palais
Avenue Winston Churchill - 75008 Paris

Horaires d'ouverture :
Manifestation ouverte au public du 7 mai au 15 juin 2008
Tous les jours sauf le mardi
> De 10h à 19h le lundi et le mercredi
> De 10h à 23h du jeudi au dimanche.

Tarifs. Normal : 4 euros / Réduit : 2 euros
Groupe : 200 euros avec médiateur (max. 30 pers.) / Groupe : 80 euros sans médiateur (max. 30 pers.)


voir aussi :   http://www.monumenta.com/2008/

Arythmies


du 13 au 20 mars 2008

Le Loft Galery - Paris (13)



 

Saviez-vous qu'il y a des coeurs qui vivent des "tempêtes électriques" ?  C'est le terme médical  pour décrire  les dérèglements électriques du coeur lors des crises d'arythmies ou de fibrillations auriculaires. L'artiste, Jean-François Charlot souffre de cette affection cardiaque, ce qui le conduit partant de l'expérience des électrocardiogrammes auxquels on le soumet a réaliser des dessins sur le papier quadrillé utilisé pour les graphiques et les mesures.


Mais cette expérience médicale est d'abord une expérience du corps souffrant qui trouve son prolongement d'une part dans les sujets du dessin, des  figures frénétiques qui à la fois dépendent du quadrillage du papier et le nient, d'autre part dans l'excitation des traits qui serrés suivent des chemins désordonnés.

L'exposition est à voir du 13 au 20 mars au Loft galery à Paris (13)




Le Loft galery
8, rue du dessous des berges
75013 Paris

Tel 06 20 45 64 44


Métro Bibliothèque François Mittérand Ligne 14



voir aussi : la vitrine de Jean-François Charlot sur Art Point France

du 6 mars au 2 mai 2008


Galerie IUFM Confluence(s) - Lyon (4)

"explosivos" Arroyo

Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati malgré la fin déjà lointaine de l'action collective, ont fait un long chemin ensemble tout en conservant leur singularité intacte. La Galerie IUFM Confluence (s) offre en ce début d'année 2008 l'occasion de réunir deux d'entre eux.



On retrouve l'écho des Empreintes du début des années soixante qu'Antonio Recalcati réalisait en imprimant directement son visage, son corps, ses vêtements sur des toiles recouvertes de peinture noire ou terre de Sienne. Dans les pièces présentées à Lyon le peintre a élaboré de fausses empreintes, de fausses traces de mains appliquées sur la toile. Eduardo Arroyo dessine un portrait de Marcel Duchamp au nez rouge et peint l'occultation, les masques, Fantômas, ce que montre et ce que cache le tableau.


C'est la peinture, lieu de retrouvailles essentiel, qui les occupe tous les deux ; palette et pinceau, peau et chair...



informations pratiques :

Galerie IUFM Confluence(s)
5 rue Anselme - 69004 Lyon
Tél. 04 72 07 30 74

Du mardi au vendredi de 10h00 à 13h00 et de 14h00 à 18h00
Le samedi de 14h30 à 18h00
Entrée libre

Bibliographie :

Eduardo Arroyo Saturne ou le banquet perpétuel
Ed. Jannink 1994
Texte inédit, lithographie originale rehaussée.
voir l'ouvrage (achetez avec Art Point France)

voir aussi : www.lyon.iufm.fr/confluences/

Les 15 et 16 mars 2008

dans 200 Musées, Frac, Centres d'art en France 

Télérama initie un nouveau rendez-vous culturel. Ce sont 200 musées, centres d’art et Fonds Régionaux d’Art Contemporain qui, le temps d’un week-end, proposeront un accès gratuit ou à tarif réduit et des activités spécifiques pour tout porteur du Pass Week-end musées Télérama.  

Le Frac Bourgogne  dont le dynamisme et la qualité de la programmation ne sont  plus à démontrer, s’associe au rendez-vous culturel national et nous fait plusieurs propositions originales. Le régisseur des collections ouvrira les portes de la réserve, habituellement fermées au public. Plusieurs visites de l’exposition en cours permettront de découvrir l’œuvre de l’artiste Matthew Buckingham  ICI. En relation avec cette exposition, une table ronde sur les artistes femmes aujourd’hui sera menée par Isabelle Alfonsi.

Le programme du week-end au Frac Bourgogne en détail :

Samedi 15 mars

15h00 > 17h00

Table ronde : les artistes femmes aujourd’hui

La critique d’art française ayant largement ignoré les débats féministes au nom de l’universalisme, qu’en est-il des artistes femmes sur la scène artistique française aujourd’hui ? La table ronde se propose à la fois de mieux faire connaître la nature des travaux artistiques et théoriques menés récemment et de mesurer leur portée pour l’ensemble de la pensée de l’art aujourd’hui.

Cette initiative est en relation avec l’exposition de Matthew Buckingham qui présente deux installations sur des femmes importantes dans l’histoire du féminisme, Mary Wollstonecraft, essayiste au XVIIIe siècle, et Charlotte Wolff, médecin au XXe siècle.

Isabelle Alfonsi, directrice de galerie d’art contemporain et collaboratrice régulière de la revue trimestrielle d’art contemporain “Zéro Deux”, Nicolas Audureau, critique d’art et commissaire d’exposition, et Charlotte Prévot, féministe et doctorante en philosophie à Paris-VIII.

17h00 > 18h00

Visite accompagnée de l'exposition Matthew Buckingham : Play the story

Il s'agit de la première exposition monographique en France de l’artiste américain Matthew Buckingham. Ses films, projections de diapositives, photographies mettent en scène divers personnages historiques réels ou fictifs.

Dans “Play the story”, il présente trois installations vidéo réalisées en 2007. Elles revisitent le parcours de deux femmes importantes dans l’histoire du féminisme mais aussi un épisode marquant de l’histoire du cinéma. Véritable historiographe, Matthew Buckingham invite à éprouver l’histoire et ses modes de construction mais aussi à ressentir sa proximité avec le présent.

Dimanche 16 mars

16h30 > 17h30

Découvrir le Frac Bourgogne autrement : visite des réserves

Rencontre avec le régisseur des collections qui présentera son métier, la manière dont les œuvres circulent, les conditions de conservation... Une occasion de découvrir où et comment vivent les 700 œuvres du Frac Bourgogne.

14h30 > 15h30

Visite accompagnée de l'exposition Matthew Buckingham : Play the story

A savoir :

Le Pass Télérama (valable pour 4 personnes) est à découper dans Télérama des mercredis 5 et 12 mars 2008. Dans le numéro du 5 mars et sur telerama.fr est publié le programme détaillé avec tous les renseignements pratiques par régions, villes et lieux. La programmation complète de l'opération "Week-end Musées, FRAC, Centres d'art" Télérama, ICI   

Informations pratiques :

Frac Bourgogne – 49 rue de Longvic – 21000 Dijon
tél. (33) 03 80 67 18 18
e-mail : infos@frac-bourgogne.org

de 14 h à 18 h du lundi au samedi sauf jours fériés 

voir aussi : http://www.frac-bourgogne.org/


 

IMAGE QUI REVIENT

une chronique de  Jean-Paul Gavard-Perret

Jean-Pierre Schneider & Bernard Chambaz, La déposition, peintures et  texte. 
Avec des photographies de Michel Dieuzaide, co-édition le temps qu'il fait et galerie Sabine Puget, 160 p. 2003






Jean-Pierre Schneider est né à Paris en 1946 et a été élève de l’École des  Beaux-Arts de Lille. Son travail est depuis trente ans très régulièrement  exposé en France (Paris, Évreux, Bordeaux …), mais aussi en Espagne et en  Suisse. Il a travaillé pour le théâtre et pour la danse et a publié avec  Sylvain Corthay aux éditions Le Bruit des Autres " Lumière volée" et "Olla  Cineraria" avec Hisashi Okuyama édité par la Fondation du Japon. En empruntant à Nicolas de Staël la phrase : "L'espace pictural est un mur  mais tous les oiseaux du monde y volent librement", Chambaz vient au plus  prêt de la peinture de Jean-Pierre Schneider. En excluant de la peinture  presque tout de ce qui concourt à la définir, en laissant place à une  sorte de peau fuyante sur laquelle se déposent quelques stigmates  l'artiste s’interroge sur les conditions d’existence de la peinture, ses chances de survie. Il  la porte à un point de quasi rupture d’où  cependant elle renaît plus puissamment et plus dépouillée de ses éléments  de “ décor ”. C’est donc dans une technique du retrait que le créateur  hypnotise,  rendant propice l’inscription du signe humain dont la peinture aspire à devenir le support tout en  dépassant ses langages admis.

 Portée à ses limites, la matière permet de garder vivante une trace  lacérante, insidieusement érosive mais prégnante de l’être qui à travers  la peintre est comme tenu à l’écart, condamné au silence, à l’absence. D’un côté elle appelle à perpétuer l’inscription du signe humain qui l’obsède  mais qui de toiles en dessins, avec l'encre, la craie, le collage, le  pigment déconcerte la lecture et la vue et diffère de griffures en  griffures, l’élucidation que Schneider appelle mais qu’il tient comme en  dehors. Il divulgue une trace aussi dense que presque effacée et qui  fait de chaque œuvre un étrange passage. Signes parmi les signes d’un  langage devenu sa seule présence et réalité, biffures, interruptions,  surcharges, effaçages ouvrent sur des lignes qui corrodent et émiettent l’étendue  qui les supporte. Il y a là l’exaltation d’une béance mais aussi l’impénétrabilité d’une paroi. Les signes bruts, lapidaires, brouillés n’ouvrent que sur l’évidence  de leur illisibilité, de leur incongruité comme s’ils refusaient à s’articuler  dans un espace compréhensible. Les tableaux et les dessins “ parlent ” de la sorte un langage neutre, presque absent mais tout aussi sensible, poignant comme émis de manière parcellaire par un être errant, coupé – non sans effervescence cependant – mais tout aussi relié à sa réalité, son histoire, au réel et à l’histoire de la peinture.

L’exercice d’une forme d’oblitération renvoie bien au delà de la  figuration même si "en creux" elle la stimule là où échouent comme sur une  plage verticale un ensemble de signes humains muets et suspendus, le balbutiements, peut-être, d’une ombre humaine parfois à la recherche de  son corps. Chez Jean-Pierre Schneider chaque œuvre est flagrante et nue  comme détachée. De la masse confuse d'une sorte de marouflage il ne reste  que des graffitis pour concentrer l’énergie et matérialiser la violence de  l'image. Tout son art consiste ainsi à se rendre d’une certaine manière  absent, à s’effacer devant ce qui s’efface autant que devant ce qui “s’inscrit  ”, bref devant ce qui est le plus proche et le plus éloigné de soi. C’est  pourquoi une telle recherche exerce sur l’esprit une fascination puisqu’il  est devant un corps qui lui-même est à la fois proche et étranger : il se fond avec la substance même qui le signale et le nie.

Devant chaque toile nous partons à la dérive. Chaque “accident ”,  chaque empreinte désignent l’être sans le nommer avec la fréquente  transposition des graffiti ou de l’“ écriture” en graphismes brouilllés.  La toile prend l’aspect d’un pan dégradé et usé mais qui semble d’autant  plus vivant qu’il est attaqué, corrodé comme s’il respirait par ses blessures, comme si une sorte de lèpre ou de salpêtre était la matière du tableau. Le peintre nous immobilise face au “rien” que nous percevons.  Surgit un défilé d’impressions fugitives (un homme semble par exempe marcher) là où la peinture est sensée immobiliser. Existe alors,  une double action de la matière à la fois expansion, énergie mais aussi concentration, effacement ou recueil de marques et d’accidents humains à peine visibles  qui  impose la puissance d'égarement  de la peinture, proche de la disparition mais aussi de l’imminence d'un retour. Graffiti, traces, glyphes, Jean-Pierre Schneider n’accueille le signe qu’insidieusement altéré, frappé du mutisme, de non-sens ou d’attente d’un sens à venir. Il balafre ses œuvres en un geste qui à la fois désigne l’indéfini de toute attente et inscrit l’inarticulé qui dans la mémoire inconsciente demeure flottant, suspendu, assommé.

Surgit le monde muet de l’injonction et de la résistance. La trace est ainsi une énergie incorporée mais aussi dissipée où le plus récent comme le plus archaïque se confondent. C’est pourquoi l’être – car il s’agit  bien de lui  en dernier ressort – est comme empêtré dans la torpeur de cet inconscient qui le mine du dedans mais qui ébauche ici une tentative de redressement, de reconnaissance. Du support au signe, de la matière à ses formes émergent des relations lacunaires par un travail qui joint la pure agression à la lenteur scrupuleuse, en un respect attentifs des “ éléments ” qui servent à la peinture. L’oeil ne commande pas, ni la main, ni l’intellect, ni l’inconscient, ni une tradition plastique immergée et ressurgie mais tout à la fois, comme en fusion dans l’intervalle du vide et l’énergie de la matière. Chaque tableau ou dessin s’impose comme un événement plastique impromptu mais décisif qui met en œuvre matière et manière dans ce qui semble le fruit d’un tremblement mais qui de fait ne doit son existence que à un acte de pure autorité. Jean-Pierre Schneider nous fait en conséquence participer à une expérience limite de la peinture aimantée au vertige de sa fin, à la secrète  tentation d’en finir mais qui butte sans cesse sur l’impossibilité d’y parvenir. En effet si chez l’artiste la peinture est en question, elle reste la seule réponse à cette question. L'œuvre se dresse contre le vide mais le vide s’adosse à elle.  Le jeu de l’éloignement fait aussi sa proximité en une large hémorragie d’abîme et de "volumes" dont les traces s’inscrivent en griffures comme usées jusqu’à l’invisible.